Реферат: А.И.Хачатурян, С.С.Прокофьев, М.И.Глинка
МихаилИванович
Глинка
«Так какнародная песня всегда была душой русской
музыки, то для нас теперьнеразрывно спаянная с ней напевная и задушевная музыка Глинки звучитодинако-во, как родное былое и вместе с тем настоящее… Поэтому Глинка, как инародное песенное творчество, — поистине живой родник всей русской музыки».
Б. В.Асафьев.
В ряду великих русскихкомпозиторов, составляющих славу и гордость русской музыки, немеркнущим светомсияет имя Михаила Ивановича Глинки. Он первым глубоко и разносторонне выразил вмузыке душу русского народа. Разнообразное по жанрам вокальное творчествоГлинки – бесценный вклад его в область русской романсово-песенной лирики.Первым из русских композиторов он достиг высокого слияния музыки и текста вединое поэтическое целое. Охватывающее широкий круг человеческих переживаний,облачённое в гармонически стройную форму, оно созвучно лирическимстихотворениям Пушкина, и не случайно лучшие из романсов Глинки сочинены былиименно на стихи великого русского поэта.
«Во многих отношениях Глинка, — писал В. В. Стасов, — имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин врусской поэзии. Оба великие таланты, оба родоначальники нового русского художественноготворчества – оба глубоко национальные, черпавшие свои великие силы прямо изкоренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык – один впоэзии, другой в музыке».
МихаилИванович родился в 1804 году в селе Новоспасском в семье помещика. С раннеговозраста полюбил народную песню. Глинкалюбил крепостной оркестр дяди, где он играл на скрипке и на флейте. Исполнялнародные пьесы и западные. Позже сталучиться на фортепиано. С 1812 года учился в благородном пансионе для детейдворян в Петербурге. Здесь формировалась личность Глинки. Он познакомился сПушкиным и полюбил его творчество. Брал уроки по фортепиано у Джона Фильда, потом у его ученика Майера.Посещал концерты, оперу. Знал Глюка,Моцарта, Россини. Летом Глинка работал с оркестром дяди.
В двадцать лет Глинка сочинилроманс «Моя арфа». Автор считал его «неудачной попыткой» и прозвал его«допотопным», так как написал его до 7 ноября 1824 года, дня страшногонаводнения в Петербурге.
Свой первый «удачный» романс Глинканаписал только зимой следующего, 1825 года. Действительно, романс «Не искушай»- одно из лучших, проникновенных по музыке сочинений. В том же году, трудясь «с большимнапряжением», он написал первый струнный квартет (дошедший до нашего времени неполностью) и работал над сонатой для альта и фортепиано, не завершив её.Впрочем, он полагал, что в этих сочинениях «мало толку».
«Романтическим устройством»натуры Глинки объясняется его тогдашнее стремление мечтать в сумерках зафортепиано и пристрастие к элегическим стихам Жуковского, трогавшим композиторадо слёз. Отзвуком такого состояния его духа родились тогда печальные романсы наслова этого поэта «Светит месяц на кладбище» и «Бедный певец».
Весной 1828 года А. С. Грибоедов сообщил Глинке мелодию одной грузинскойнародной песни, на основе которой композитор написал один из лучших своихромансов «Не пой, красавица, при мне» на стихи А.С. Пушкина. В следующем годустараниями Глинки и Н. И. Павлищева, зятя А. С. Пушкина, «явился в свет»«Лирический альбом на 1829 год». В нем среди малозамечательных пьес друзейГлинки появилось два романса молодого композитора и в числе их «Память сердца»- одно из привлекательнейших по теплой искренности мелодики его сочинение техлет.
Три года (1830 – 1833 гг.),проведенные Глинкой в Италии, стали временем окончательного созревания еготаланта, годами вдумчивого труда. Здесь новыми чертами обогатилось егомелодическое дарование. Глубокую красоту итальянской лунной ночи Глинкагениально передал в своей баркароле – романсе «Венецианская ночь», исполненномтрепетного чувства радости жизни. Кроме «Венецианской ночи» на стихи И. И.Козлова Глинка написал тогда еще два романса на стихи В. А. Жуковского и ФеличеРомани.
В свое пребывание в Москве (1834год) Глинка слушал сочинения местных композиторов и сам написал романс «Неназывай ее небесной» на слова московского литератора Н. Ф. Павлова. Но самойважной была в то время мысль о написании русской оперы «Иван Сусанин».
В пору расцвета (1837 год) длясвоей «милой ученицы» Каролины Колковской в театральной школе Глинка сочинилполный любовного томления и проникновенной печали романс «Сомнение».
Глинка иногда и сам пел своиромансы. Его высокий голос не обладал красивым тембром, но, как вспоминал А. Н.Серов, «могуче-гениальный, как творец музыки, он был столь же гениален и висполнении вокальном», поэзию которого Серов назвал «непередаваемой»!
28 марта <st1:metricconverter ProductID=«1839 г» w:st=«on»>1839 г</st1:metricconverter>. Глинка познакомилсяс Екатериной Ермолаевной Керн, дочерью Анны Петровны Керн, чье имя освященочувством к ней А. С. Пушкина. Волновавшие композитора чувства он выразил в двухпосвященных Е. Керн сочинениях. Первым из них был пленительно изящный, овеянныйэлегической поэзией нежной влюбленности «Вальс – фантазия» (второе название — «Павловский вальс»). Иным настроением исполнен сочиненный в 1840 году романс «Япомню чудное мгновенье», проникнутый волнением светлой восторженности, лишьненадолго уступающей место печальным раздумьям. Написанное на стихотворение А.С. Пушкина, вдохновленное образом матери Екатерины Керн Анны Петровны, этопроизведение Глинки есть совершенное слияние высокой поэзии текста смузыкальным его выражением.
Работа над оперой «Руслан и Людмила»чередовалась у композитора с осуществлением и других его музыкальных намерений.К тому же творчески необычайно плодотворному 1840 году относится и сочинение«гармонической галереи романсов» — цикла «Прощание с Петербургом» (на стихиНестора Кукольника). В него вошли такие «исполненные жизни, правды и увлечения»(по отзыву «Художественной газеты» от 1 сентября того же года) или лирическиепьесы, как «Рыцарский романс», «Баркарола», «Жаворонок», «О дева чудная моя».Входила в цикл и своего рода прощальная «Попутная песня».
С 1844 по 1847 – «годы странствий»:Франция, Испания. Зимой 1847 – 1848 года в Смоленске Глинка пишет несколькофортепианных пьес и два романса. Первый из них, «Милочка», — светлое воспоминаниеоб Испании (для него композитор взял мелодию хоты, услышанную им вВальядолиде). Второй, «Ты скоро меня позабудешь» на слова молодой поэтессы ЮлииЖадовской, — печальное обращение к любимому существу, полное глубокой любви ипокорности перед неизбежным концом, стал новым шагом в развитии вокально –декламационного стиля Глинки.
Уединенная, творческисосредоточенная жизнь композитора прекратилась в конце января 1848 года.«Суматошная жизнь» Петербурга после тихого Смоленска скоро привела Глинку вотчаяние и он в ожидании заграничного паспорта спешно уехал в Варшаву. Впольской столице, в пору творческого подъема лета и осени 1848 года, Глинкасочинил замечательные романсы: «Слышу ли голос твой» (на слова М. Ю.Лермонтова), «Заздравный кубок» (на стихи А. С. Пушкина), шутливо посвященныйим «Вдове Клико», иначе говоря, шампанскому вину, и лучший из них – «ПесньМаргариты» (на слова И. В. Гете); по образной глубине и силе трагическойвыразительности эта песня-романс примыкает уже к вокальной лирике последнегопериода глинкинского творчества.
В ноябре 1844 года Глинкавозвратился в Петербург, а весной вновь вернулся в Варшаву. Но этот двухлетнийпериод не был столь плодотворным, хотя было написано несколько новых романсов:осенью 1849 года Глинка посвятил Эмилии Ом романс «Rozmowa»(«Беседа») на слова польского поэта А. Мицкевича, затем последовало сочинениеромансов «Адель» и «Мери» на стихи А. С. Пушкина, а также и другиепроизведения.
В начале 1856 года Глинка сочинилсвой последний романс «Не говори, что сердцу больно» на стихи своего давнегомосковского знакомого Н. Ф. Павлова (тот «на коленях» вымолил у него музыку насвои слова). «В них обруган свет, значит, и публика, что мне по нутру», — заметил Глинка в одном из писем к Нестору Кукольнику. Его раздражение быловполне понятно: отношение официальных кругов к музыке Глинки оставалосьпо-прежнему неприязненным. Много неприятностей доставляло и развязное обращениес текстом романсов Глинки при их публикации издателем-дельцом Стелловским. Носамым огорчительным для композитора были идейно враждебные ему и общемунаправлению зарождавшейся русской национальной школы самодовольно малограмотныерассуждения критиков о его сочинениях. Здоровье Глинки слабело и в феврале 1857года великий композитор умер.
Использованнаялитература: Энциклопедический словарь, 1980г.
<span Times New Roman",«serif»; mso-fareast-font-family:«Times New Roman»;position:relative;top:-10.0pt; mso-text-raise:10.0pt;mso-ansi-language:RU;mso-fareast-language:RU;mso-bidi-language: AR-SA">
Арам
Ильич
Хачатурян
Арам Ильич Хачатурян родился 6 июня 1903 года в Тбилиси в семьепереплетчика. Его мать любила петь народные армянские песни, и эти напевыглубоко запечатлелись в душе ребенка. Незабываемое впечатление оставилоискусство народных певцов-агушев, в исполнении которых звучали песни Азербайджана,Грузии, Армении.
Приход агуша в село или город становилось для населения большимпраздником. Выступления певцов происходили обычно на площади, где собиралосьмножество народа. Под аккомпанемент саза или тара они вели свои нескончаемыерассказы про старину: это были песни о героях, о влюбленных.
Под впечатлением услышанных народных мелодий мальчикзабирался на чердак дома и часами выстукивал полюбившиеся ему ритмы на медномтазу. «Это моя первоначальная «музыкальная деятельность»,-рассказывал Хачатурян,- доставляла мне неописуемое наслаждение, родителей жеприводило в отчаянье…»
Материальное положение семьи было настолькостесненным, что о музыкальном образовании Арам не мог и мечтать. Поэтомупоявление в доме плохонького, приобретенного за гроши пианино стало длямальчика большим событием. Сначала одним пальцем, а затем с примитивнымаккомпанементом он стал подбирать по слуху мелодии народных песен и танцев.«Тогда я совсем осмелел,-вспоминал Хачатурян,- и начал варьировать знакомыемотивы, присочинять новые. Помню, какую радость доставляли мне эти – пустьнаивные, смешные, неуклюжие,- но все же первые мои попытки композиции».
Когда Араму исполнилось 10 лет, он поступил в коммерческое училище.Самостоятельно научившись играть на духовых инструментов, он участвовал влюбительском духовом оркестре. В 16 лет Хачатурян впервые попал в оперныйтеатр, где услышал оперу «Абесалом и Этери» классика грузинской музыки ЗахарияПалиашвили. Впечатление было столь сильным, что мечта учиться музыке становитсянеотступной.
Наконец в 1921 году в судьбе юноши наступил перелом. В Тбилиси приехалего старший брат Сурен Хачатурян, режиссер Московского Художественного театра.Заметив влечение Арама к музыке, Сурен Ильич взял его с собой в Москву.
Годы учения.
В возрасте 19 летюноша держал экзамен в Московский музыкальный техникум имени Гнесиных. У негоне было даже элементарной подготовки. Выручили отличный слух, музыкальность,прекрасная память. Увидев находившуюся в классе виолончель, Арам заявил, чтохотел бы учиться «на этой большой скрипке»! Елена Фабиановна и МихаилФабианович Гнесины, опытные педагоги, сразу же распознали в юноше природноедарование. И вот начались годы учения- большого, настойчивого труда, сомнений,успехов, разочарований.
В начале Хачатурянучился играть на виолончели и фортепиано. Но скоро становиться ясно, чтоосновное его призвание-композиция. В лице Михаила Фабиановича он нашел чуткогопедагога, сумевшего быстро развить его природные способности.
Уже втехникуме начинающий композитор написал «Танец» для скрипки с фортепиано и«Поэму» для фортепиано. Эти произведения были изданы и имели успех.
С 1929 по 1934 годХачатурян учится в Московской консерватории. По классу сочинения он занимаетсяу Михаила Фабиановича Гнесина, а позднее
у Н.Я. Мясковского. Теперь все свое внимание онотдает творчеству. В эти годы он пишет «Токкату» для фортепиано, трио длякларнета, скрипки и фортепиано, «Танцевальную сюиту» для симфоническогооркестра.
Уже здесь проявилисьчерты, ставшие типичными для более зрелых его произведений. Прежде всего, этопевучие мелодии народного характера, сочные, свежие гармонии, праздничнаяоркестровка. Самобытность и оригинальность таланта Хачатуряна теперь начинаетпризнаваться не только музыкантами. Известность его быстро растет и средишироких масс слушателей.
В качестведипломной работы молодой композитор представил первую симфонию, посвященнуюСоветской Армении. Хачатурян блестяще оканчивает консерваторию. Его имязанесено на Доску почета. В дальнейшем он совершенствует свое мастерство,занимаясь в аспирантуре. «Энергичный, порывистый, увлекающийся, не оченьорганизованный, но бесконечно преданный любимому искусству»- таким запомнилсядрузьям –современникам Арам Хачатурян тех лет.
Начало самостоятельного пути.
После окончанииконсерватории композитор много и упорно работает над своими новыми сочинениями.Он обращается к различным жанрам. Среди созданного на протяжении 30-х годовнаиболее удачным оказались балет «Счастье», фортепианный и особенно скрипичныйконцерты. Заслуженную популярность завоевала музыка Хачатуряна к драматическимспектаклям («Валенсианская вдова», «Маскарад») к кинофильмам («Пэпо»,«Зангезур»). Активно включается Хачатурян и в общественную жизнь станы, выполняетответственную работу в Союзе композиторов.
Фортепианный концерт закончен композитором в 1936 году. Его первымисполнителем был выдающийся советский пианист Лев Оборин, которому он ипосвящен. Концерт имел большой успех. В нем проявилась склонность композитора квиртуозному блестящему стилю. Еще ярче стали краски гармонии, острее и выпуклееритмы, выразительнее мелодия.
В1940 году Хачатурян создает одно из своих наиболее значительных произведений-скрипичный концерт. Здесь творческий облик композитора раскрылся во всей своейполноте. Концерт посвящен его первому исполнителю — известному советскомускрипачу Давиду Ойстраху. За выдающееся произведение он удостоенГосударственной премии СССР.
Весну и лето <st1:metricconverter ProductID=«1939 г» w:st=«on»>1939 г</st1:metricconverter>Хачатурян проводит в Армении, где усиленно работает над балетом «Счастье». Вновом для себя жанре балета он воплощает современную тему- жизнь народаСоветской Армении, радость и счастье людей, завоеванные в труде и борьбе.
В том же годуспектакль был показан в Москве в Большом театре в дни декады армянскогоискусства. Балет понравился слушателям выразительностью народных мелодий,красочностью нарядной оркестровки. Но были и серьезные недочеты. Композиторрешает коренным образом переработать балет.
Спустя два года Хачатурян пишет музыку для спектакля «Маскарад» (подраме Лермонтова) в театре им. Евгения Вахтангова. Несколько позже отдельныемузыкальные номера были изданы в виде симфонической сюиты. Особенно полюбилсяслушателям «Вальс». Взволнованная, полная тревоги музыка «Вальса» связанна страгической судьбой героини «Маскарада».
Годы войны.
Наступила ВеликаяОтечественная война. В военные годы Хачатурян
создает песни«Капитан Гастелло», «Слава нашей Отчизне», марш для духового оркестра «ГероямОтечественной войны» и другие.
Из произведений крупных жанров появляются балет«Гаяне» и вторая симфония. Премьера балета «Гаяне» состоялась в 1942 году вПерми, куда был эвакуирован Ленинградский оперный театр имени С.М. Кирова.Спектакль прошел с огромным успехом. Сюжет «Гаяне» развиваетсядраматически-напряженно. Герои балета- колхозники и бойцы Советской Армии. Ихсчастье неотделимо от благополучия всего советского народа. В трудной борьбе созлом и несправедливостью обретает свое личное счастье и Гаяне. Она разоблачаетвиновников поджега складов с колхозным хлопком (среди которых и муж Гаяне), зачто едва не расплачивается жизнью. Балет заканчивается народным праздником.Радостно и Гаяне, найдя свое личное счастье в новой семье.
В «Гаяне» композиториспользовал лучшие номера из балета «Счастье», как и первый балет, «Гаяне»отличается обилием мелодичных тем, основанных на народных интонациях и ритмах.Так, во втором действие звучит «Колыбельная» (Гаяне убаюкивает свою маленькуюдочь). Тепло и нежно льется печальная, лирическая мелодия у флейты. А всопровождение мерно повторяется один и тот же звук ре у фагота и арфы, которому вторит «эхо» колокольчиков, создаваямягкий, «мерцающий» фон.
Грациозен, полон восточной неги «Танец Айши» (подруги Гаяне),открывающий собой третье действие. Плавная мелодия сначала звучит у скрипок. Азатем разукрашивается звуковыми узорами других инструментов.
Особенно широкую известность получил огненно-темпераментный «Танец ссаблями» (4 действие). Его отличают стремительный темп, острый ритмическийрисунок, яркая оркестровка. Переложенный для самых различных инструментов исоставов, «Танец» стал излюбленным номером в концертных программах. За балет«Гаяне» композитору в 1943 году была присуждена Государственная премия СССР,которую он внес в Фонд Вооруженных Сил Советского Союза. В 1957 году созданавторая редакция балета на новый сюжет.
Втораясимфония получила название «Симфония с колоколом». Она передает переживаниясоветских людей в годы войны. В четырех частях симфонии отражены страдания,скорбь по погибшим, воспоминания о счастье и радости, предчувствие грядущейпобеды.
Хачатурян ввел в состав оркестра колокол, и это имеет глубокий смысл.Мрачно и сурово звучит он в начале симфонии, а в финале – ликующе и победно.Написанная и исполненная в разгар военных событий в 1943 году, симфония вселялауверенность и светлые надежды в сердца людей.
В 1944 годуХачатурян пишет Государственный гимн Армянской ССР.
Послевоенный период.
В послевоенные годымузыкальная деятельность композитора значительно расширяется. Начиная с 1950года он-профессор по классу композиции в Московской консерватории и Институтеимени Гнесиных. Хачатурян – педагог главное внимание уделял развитию творческойиндивидуальности будущих композиторов, национальной природы их дарования. Изего класса вышли такие известные композиторы, как А. Эшпай, Р. Бойко, Э.Оганесян, М. Таривердиев и другие. Хачатурян является автором ряда статей повопросам музыкального искусства: “Как я понимаю народность в музыке”, “Отворческой смелости и вдохновении", «Десятая симфонияД.Шостаковича», «Радость творчества».
В 1950 году началасьдирижерская деятельность композитора. Первый концерт, где дебютировалХачатурян-дирижер, состоялся в Москве в Доме ученых. Под управлением авторапрозвучали сцены из балета «Гаяне» и финал скрипичного концерта. Композиторпосещает с концертами многие города Советского Союза. С большим успехом еговыступления проходят и за рубежом. Но сочинение по- прежнему остается главнойцелью его жизни.
Появляется целый рядего песен о дружбе народов, о мире. Много музыки Хачатурян пишет длякинофильмов («Русский вопрос», «Сталингадская битва», «Владимир Ильич Ленин»,«У них есть родина» и другие), для драматических спектаклей («Лермонтов»Б.Лавренева, «Макбет» и «Король Лир» У.Шекспира).
В 1946 году Хачатурянзаканчивает концерт для виолончели с оркестром и посвящает его первомуисполнителю Святославу Кнушевицкому, выдающемуся советскому виолончелисту. К30-летию Великого Октября создана «Симфония-поэма» (симфония №3).
Капитальноепроизведение послевоенного периода — балет «Спартак», законченный в 1954 году.Впервые он был поставлен на сцене Ленинградского театра имени С.М.Кирова в 1956году, а в Большом театре в Москве — двумя годами позже. В постановке Ю.Григоровича балет возобновлен в 1968 году. Из отдельных номеров балета в 1960году композитор создал 4 сюиты, куда вошли наиболее значительные фрагменты.
Хачатуряна привлек образ человека, возглавившего беспримерное в историиДревнего мира восстание рабов. В героическом сопротивлении угнетенныхкомпозитор увидел много общего с современной борьбой народов за своюнезависимость.
Вот как пишет об этом сам автор: «… Сочиняя музыку своего балета,стремясь мысленно постигнуть атмосферу Древнего Рима я всегда ощущал духовнуюблизость Спартака к нашей эпохе, нашей борьбе против всяческой тирании, борьбеугнетенных народов против империалистов-агрессоров».
В четырех действиях балета композитор показал столкновение основныхпротивоборствующих сил-Спартака, гладиаторов и враждебного имаристократического мира римских патрициев во главе с Марком Лицинием Крассом.Противопоставление контрастных образов дано уже в прологе к балету. Пленныефракийцы влекут колесницу полководца-триумфатора. Тяжеловесно, с мрачнойторжественностью звучит марш победителей. Это тема Рима- могущественного,властного и жестокого. Теме Рима противопоставляется героическая тема Спартака.Обе темы пролога проходят через все произведение. В 1959 году за балет«Спартак» Хачатуряну была присуждена Ленинская премия.
Позднее творчество.
На протяжении 60-70 –х годов сочинены 3концерта-рапсодии
(для скрипки, для виолончели и для фортепиано-соркестром). Композитор вновь возвращается к жанрам камерной инструментальноймузыке: он сочиняет сольные «Сонату-фантазию» для виолончели, «Сонату-монолог»для скрипки и «Сонату-песню» для альта.
С первых жепослевоенных лет получила особый размах общественно-музыкальная деятельностьХачатуряна. Совместно с другими советскими музыкантами композитор побывал вомногих странах мира. Свои концертные выступления он сочетал с беседами,докладами о советской музыкальной культуре, что служило еще большему укреплениюдружественных связей между Советским Союзом и другими странами. Об этойпочетной и важной задаче Хачатурян писал:
«Яверю, что все крупные, мыслящие художники, все подлинно талантливые музыкантымира не только сочувствуют основным принципам демократического искусства,которые отстаиваем мы, но и готовы следовать им. И наш долг-помочь успеху этогодела, помочь сплочению всех прогрессивных музыкальных сил мира вокруг великой иблагородной цели создания музыки, достойной своего народа, воспевающей светлоебудущее человечества».
ЛауреатГосударственных и Ленинской премий, Арам Ильич Хачатурян был награжден орденомЛенина, является Героем Социалистического Труда. Композитору присвоено почетноезвание народного артиста СССР.
А.И. Хачатурян умер 1 мая 1978 года.
Используемая литература:
Советская музыкальная литература И.Прохоров, Г.Скудина. 1989г.
<span Times New Roman",«serif»; mso-fareast-font-family:«Times New Roman»;position:relative;top:-10.0pt; mso-text-raise:10.0pt;mso-ansi-language:RU;mso-fareast-language:RU;mso-bidi-language: AR-SA">
Сергей
Сергеевич
Прокофьев
Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля1891 года в Сонцовке Екатеринославской губернии (теперь село КрасноеКрасноармейского района Донецкой области). Отец его — Сергей Алексеевич — былучёным агрономом, управляющим в имении помещика Сонцова. От него передаласьсыну любовь к природе. Среди детских рукописей Серёжи Прокофьева сохраниласьтетрадка, в которой мальчик отмечал, когда какие цветы расцветают в Сонцовке.
Музыку он слышал в доме с самого рождения.Мать Мария Григорьевна играла сонаты Бетховена, мазурки и ноктюрны Шопена,пьесы Чайковского. В пять с лишним лет Серёжа уже сочинил фортепианную пьескупод названием «Индийский галоп». Вскоре появились и другие сочинения.
Мальчику было девять лет, когда егопривезли в Москву и он впервые попал в оперный театр. Вернувшись в Сонцовку, онначал писать оперу «Великан» на собственный сюжет.
Образованием Серёжи вначале занимались егородители, которые были просвещёнными, интеллигентными людьми, умными и строгимивоспитателями. Они приучили его к сосредоточенному и систематическому труду.Отец приучил сына русскому языку, арифметике, географии, истории, ботанике.Мать — Иностранным языкам (с детства Сергей Сергеевич знал два языка — французский и немецкий, позже английский). Мария Григорьевна была и его первойучительницей музыки. Увидев успехи сына, она решила показать его какому-нибудькрупному музыканту.
Зимой 1902 года его привезли в Москву кСергею Ивановичу Танееву — выдающемуся композитору, профессору Московскойконсерватории. Отметив дарование мальчика, Танеев посоветовал начать с нимсерьёзные занятия гармонией и систематическое ознакомление с музыкальнойлитературой. По рекомендации Танеева в Сонцовку на лето прибыл молодоймузыкант, окончивший Московскую консерваторию с золотой медалью. Это былРейнгольд Морицевич Глиэр, впоследствии известный советский композитор, авторбалетов «Красный мак», «Медный всадник», концерта дляголоса с оркестром и других сочинений.
Живые, интересные занятия с Глиэромоказались благотворное влияние на развитие таланта Прокофьева.
Под руководствомучителя он стал вскоре писать симфонию и оперу «Пир во время чумы» поПушкину. Глиэра поразило в его ученике удивительное сочетание взрослогопрофессионально-серьёзного отношения к музыке, самостоятельности суждений и — совершенно детских черт. Так, на пюпитре у двенадцатилетнего Серёжи Прокофьева,сочинявшего оперу или симфонию, стояла резиновая кукла по имени Господин,которая должна была слушать новое сочинение.
Сильнейшим увлечением будущего авторапрославленных опер и балетов был театр. Со своими друзьями — сонцовскимимальчиками и девочками — он постоянно придумывал и разыгрывал представления, накоторых присутствовали обитатели дома в Сонцовке.
Уже в детствеПрокофьев обнаружил редкую наблюдательность и разнообразие интересов(литература, театр, шахматы). Любопытно его мальчишеское увлечение железной дорогой, быстрым и точным движением.Одним из удивительных свойств творчества взрослого композитора Прокофьева станетстремительность, динамичность, через которую он передаст своё новое ощущениежизни, её молодости, её движения.
В 1904 году, по совету Глазунова,светловолосый тринадцатилетний мальчик пришёл на экзамены в Петербургскуюконсерваторию. Экзамен вёл Н. А. Римский-Корсаков. «Это мне нравится!» — весело воскликнул он, увидев Прокофьева, сгибавшегося под тяжестьюдвух папок, где были сложены его сочинения (четыре оперы, две сонаты, симфонияи довольно много фортепианных пьес). Приёмная комиссия (в её состав входили А.К. Глазунов и Н. А. Римский-Корсаков) была восхищена абсолютным слухом иумением читать с листа.
Серёжу приняли, и жизнь его крутоизменилась. Вместо вольного степного простого украинского села Сонцовки, вкотором он родился и провёл детство, хмурый Петербург, где предстояло серьёзнои долго учиться.
Прокофьев учился в консерватории узамечательных русских музыкантов: Анатолия Константиновича Лядова (гармония,контрапункт), Николая Андреевича Римского-Корсакова (инструментовка).
Вконсерваторские годы обогатилась и развились его музыкальные вкусы. К любимым сдетства Бетховену и Чайковскому прибавились Григ, Вагнер, Римский-Корсаков,Скрябин, Рахманинов. Он познакомился с сочинениями современныхзападноевропейских композиторов — Р. Штрауса, Дебюсси.
Интерес к изучению классической исовременной музыки, а также к творчеству друг друга сблизил Прокофьев сНиколаем Яковлевичем Мясковским. Дружба, начавшаяся в годы их совместногоучения в Петербургской консерватории, продолжалась в течение всей жизни.
Прошло несколько лет. Музыкальныесочинения Прокофьева поражали слушателей, вызывали жаркие споры. Всё, что оннаписал, было новым по манере и по содержанию — молодым, задорным, смелым.
Окончив в 1904 году консерваторию,Прокофьев много лет выступал как пианист во Франции, Испании, Англии, Америке,Японии, на Кубе и во многих европейских странах. Повсюду композитор играл своисочинения, а его новые оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так,в1921 году в Чикаго состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева«Любовь к трём апельсинам» (по сказке итальянского писателя КарлоГоцци). В том же году композитор закончил третий концерт для фортепиано. Самыелучшие сочинения Прокофьева тех лет были посвящены Родине. Русские мелодиизвучат в пьесах для фортепиано «Сказки старой бабушки», в которыхоживают воспоминания детства и герои народных сказок. Тоска по Родинестановилась всё острее. «В ушах моих должна звучать русская речь, я долженговорить с людьми моей плоти и крови,чтобы они вернули мне то, чего мне здесь недостаёт: свои песни, моипесни», — писал Прокофьев.
В середине 20-х годов Прокофьев с огромнойрадостью откликнулся на предложение С. П. Дягилева написать балет на тему остроительстве новой жизни в России. Сюжет балета, названного «Стальнойскок», оказался наивным, «индустриальным». «Прокофьевпутешествует по нашим странам, но отказывается мыслить по-нашему», писализарубежные газеты о премьере балета, поставленного в Париже и Лондоне в 1927году.
За границей Прокофьев встречался сомногими выдающимися деятелями искусства (композиторами Равелем, Стравинским,Рахманиновым, дирижёрами Стоковским и Тосканини, киноартистом Чарли Чаплином имногими другими). Но атмосфера лихорадочной художественной жизни Парижа 20-хгодов не удовлетворяла его. «Я должен вернуться. Я должен снова вжиться ватмосферу родной земли… В ушах должна звучать русская речь… Здесь я лишаюсьсил.»
И наконец он снова дома. Прокофьев вновьвстречается со своими друзьями Мясковским и Асафьевым. Начинает работать вместес советскими режиссёрами, балетмейстерами, писателями. Его увлекают задачавоплощения высоких идей, человечности, возможность обращения не к узкому кругу«ценителей», а к огромным массам народа.
Композитор много и увлечённо работает,создавая одно прекрасное произведение за другим. Они различны по темам, временидействия, характерами героев. Но во всех них есть нечто общее. Всюду композиторсталкивает лицом к лицу светлые образы и образы жестокости и насилия. И всегдаутверждает победу высоких человеческих идеалов. Смелость, присущаяПрокофьеву-композитору, поражает во всех этих сочинениях.
В 1935 году создан балет «Ромео иДжульетта» (по трагедии Шекспира). Герои его отстаивают свою любовь вборьбе с кровавыми средневековыми предрассудками, повелевающими им ненавидетьдруг друга. Трагическая смерть Ромео и Джульетты заставляет примиритьсявраждующие издавна семьи Монтекки и Капулети.
До Прокофьева крупные музыканты, писавшиебалетную музыку, не решались обращаться к шекспировским трагедиям, считая, чтоони слишком сложны для балета. А Прокофьев создал произведение, проникнутоедухом Шекспира. Поэтичная, глубокая, содержащая реалистические, психологическиточные портреты действующих лиц «Ромео и Джульетты» дала возможностьбалетмейстеру Л. Лавровскому поставить балет, который приобрёл мировую славу(премьера балета состоялась в 1940 году в Ленинградском государственномакадемическом театре оперы и балета имени С. М. Кирова).
Прокофьев пишет музыку не только длятеатра, но и для кино. Например, Александр Невский (1938 год). Вместе скинорежиссёром Сергеем Эйзенштейном Прокофьев воспевает благородныйпатриотический подвиг дружины Александра Невского, защищавшей родную земля оттевтонских завоевате